Billetterie Culture Villenave d'Ornon : Réservez votre billet

« On naît comme on est, on est comme on naît. »
La scène se déroule dans l’Illinois, en 2004. Cinq personnages au destin tourmenté se retrouvent enfermés dans une église. En huis clos, ils vont confronter leurs névroses et entamer un lent processus vers la délivrance et la guérison. Portés par la force du collectif, chacun va progressivement représenter pour les autres une main tendue, un soulagement et une forme d’apaisement si longtemps recherchés.
Dans cette pièce chorégraphique qui mêle drame et grotesque, l’humanité est centrale et ce sont les interactions entre les danseurs qui font avancer les individus. Dans une société qui prône la performance et la rentabilité, cette création invite à s’interroger sur notre capacité à conserver notre liberté intellectuelle et sur le sens que nous donnons aux relations humaines.

Émois et moi
Chloé Lacan raconte sa Nina Simone et, à travers elle, évoque ses propres souvenirs d’enfance et de femme en devenir. Avec le multi-instrumentiste Nicolas Cloche, ils explorent à deux voix ce lien si particulier que l’on tisse avec les artistes qui traversent nos vies. Au portrait fantasmé de Nina Simone se mêle le récit musical d’une adolescence. Le duo, d’une inventivité foisonnante, raconte, chante, joue et pose un regard très personnel sur le répertoire et le destin de cette musicienne d’exception.

TRIBUTE TO MICHEL PETRUCCIANI
« Laurent Coulondre rend hommage à l’un des musiciens qui a le plus marqué son parcours de musicien et de jazzman : Michel Petrucciani. A l’occasion des vingt ans de la disparition de celui qui fit comprendre au monde qu’on pouvait être français et néanmoins jazzman exceptionnel, le jeune prodige des claviers fait appel à Jérémy Bruyère (contrebasse) et André Ceccarelli (batterie) pour faire revivre le répertoire du pianiste aux os de verre, et nous montre – s’il en était besoin – que le jazz est un langage qu’il maîtrise. »

Aujourd’hui, qu’est-ce qui réunit Martin et Benoit Fournier ? Ils sont frères, c’est tout,
et c’est déjà trop !
Devenus adultes, ils traînent avec eux les traces indélébiles de l’enfance et les
promesses qu’elle n’a pas tenues. Groupe Déjà questionne à nouveau « la famille » en
s’attaquant cette fois à la fratrie. Entre frères et soeurs, tous les jeux d’alliance et de
conflit sont possibles. Cherchons à saisir cette infime frontière entre amour et haine,
disputes et complicités... Une fresque théâtrale qui convoque à la fois l’émotion et
l’idiotie, l’absurde et le grinçant, la tendresse et la cruauté.

Mosai et Vincent s’adressent aux plus petits avec leurs compositions acoustiques :
mélange de poésies sonores, de percussions corporelles, d’instruments à cordes et de samples.
Sur un îlot lumineux, les enfants rassemblés autour des musiciens dans un décor à la fois intimiste et poétique, se laissent bercer doucement par des mélodies pop puis, sont invités, petit à petit, à s’éveiller, se lever et danser sur des compositions électro.

GENIAL AU JAPON est le projet de Blandine Peis et Émeline Marceau, formé en 2016. Grandes ferventes du « Do it Yourself », ces deux Bordelaises composent une musique qui laisse la part belle à des rythmiques électro, des mélodies pop et des envolées rock. Sur leur EP « In Between » ( 2017), puis leur album « Imanust » (2019), les boîtes à rythme percutent sans froisser les sens, les synthés se font épais ou célestes, et les guitares - déliées ou distordues – finissent de tapisser un décor jamais figé, toujours en mouvement. Leur nouveau maxi, baptisé « Portraits » (octobre 2021), met en avant l'humain à travers cinq titres à l’éffigie d’une pop mélancolique où la musique est intimement liée à l’image, via cinq clips/ vidéos concept en forme de court-métrage.

A travers le destin croisé de plusieurs personnages, les acteurs vous plongent dans un dédale d’histoires et fabriquent une succession d’images et de séquences, comme autant d’instantanés de vies. Au fil du spectacle, un réseau de sens révèle le portrait d’une humanité faite de rêves et de joies, de doutes et de combats, et surtout d’espoir.

À partir du mythe de Pandore, Nicolas Dubreuil questionne notre rapport à l’espoir, au temps et à l’avenir. En privilégiant une écriture fragmentée, il cherche à offrir une vision plurielle sur une notion aux multiples visages: il n’y a pas un espoir mais des espoirs, intimes et collectifs. Le mélange entre les tableaux visuels, les séquences corporelles et les scènes parlées font naître un univers poétique et fantasmatique.
Marie-Lise Hébert a écrit le spectacle en lien étroit avec le travail mené sur le plateau. Elsa Marquet-Lienhardt, artiste du Théâtre du Mouvement, a apporté son regard musical sur le corps et le geste.

Pierre vient d’avoir un petit frère. Pas toujours facile de trouver sa place. Alors Pierre joue seul dans sa chambre, entre des murs qui bloquent son corps mais pas son imaginaire. Un jour, il s’invente un jumeau de carton et de scotch... C’est une fille, elle s’appelle Ogdog. Son monde à elle est turquoise et rempli de forêts lumineuses, de jeux débridés, de pluies de billes et de danses de renard. Un monde où les divagations feraient sens et où rien ne serait exactement à sa place. Il suffit de traverser, d’oser creuser les murs à la petite cuillère pour alors se trouver une soeur ou un frère.

Humour corrosif et rire contagieux
Après un franc succès remporté au Cube en 2016 avec son premier spectacle, le Comte de Bouderbala revient en
grande forme à Villenave d’Ornon avec un one-man-show tout neuf !
Avec son humour incisif et percutant, il porte un regard décalé sur la société, toujours prêt à faire voler en éclats les clichés. Sans répit et avec habileté, il provoque chez son auditoire un rire complice et libérateur.
Préparez-vous à une bonne dose de rire avec ce comte peu ordinaire !
Passé par le Jamel Comedy Club, ce maître du stand-up a fait ses classes dans les plus grands comedy clubs new yorkais.
Qualifié de « révélation du stand-up hexagonal » par Les Inrockuptibles et de « merveille de drôlerie » par Le Nouvel Obs, ses précédents one-man-shows se sont vu gratifiés de nombreuses critiques élogieuses.

Meet Fred est l’histoire d’une marionnette en tissus, de deux pieds de haut, qui lutte quotidiennement contre les préjugés. Fred souhaite devenir un garçon normal, appartenir au monde réel, avoir un travail, une petite amie… Jusqu’au jour où il perd son allocation de vie de marionnette. Comment va-t-il payer ses marionnettistes ? Fred perd peu à peu le contrôle de sa vie.

La serpillière, ce bout de tissu gris et détrempé, peut-il avoir une autre vie que celle de nettoyer ? Lorsqu’on la prend pour une star, elle se met à tournoyer dans les airs et danser comme par magie. Un jeu chorégraphique sous le regard complice des enfants.

La serpillière frotte et nettoie, puis elle attend seule dans un coin. Mais il suffit d’un pas de côté et elle devient partenaire de danse. Elle glisse, tourne, saute, joue, s’arrête... dans un duo amoureux et éphémère qui invite à regarder la vie différemment.
La serpillière de Monsieur Mutt est une pièce ludique où la danse, joyeuse, montre que les choses ne sont pas uniquement ce que l’on croit. à travers une approche originale, décalée et pleine de poésie, l’artiste révèle aux enfants leur pouvoir créatif et les invite à prendre part au spectacle

Robert n’a pas de père. Il l’a plutôt bien vécu. Cela le faisait entrer dans un groupe de gars assez branchés, comme Perceval, Luke Skywalker, Jésus…

Cet homme raconte avec une bonne dose d’autodérision la légende de sa naissance. Légende, car comme dans une télénovela, au fil de sa vie, ses origines ont été réécrites. Son père étant parfois inconnu, parfois mort, parfois un proche de la famille. Quelle version croire ? Est-il encore possible de croire quelqu’un dans cette famille ? Et le public, peut-il faire confiance à un narrateur qui a sans doute hérité de ce sens de la fable, cet art de mener les autres en bateau ? Depuis tout petit, Robert aurait voulu être variétologue, spécialiste en chansons de variété. Parce qu’il y une chanson pour tout, pour tous. Parce que la variété raconte nos vies, l’air de rien, c’est le passé, le présent… bon, peut-être pas l’avenir. Il est donc bien naturel d’aller chercher des pères de substitution dans les chansons de variété, non ?

Imprégné de toute la chaleur et la mélancolie liées aux impressions d’enfance, Toutes les choses géniales de Duncan Macmillan est un texte autant léger que son sujet est grave : le suicide regardé en face et sans complaisance. On y suit l’histoire d’une personne qui raconte son expérience de la perte d’un proche à travers un échange avec le public simple et ludique. Derrière le récit de cette traversée singulière, la pièce invite chacun à questionner son rapport à la vie et à la mort, avec un humour vivifiant. Bien plus qu’un récit linéaire, la pièce, fortement marquée par le stand-up, évolue en complicité avec les spectateurs. Toutes les choses géniales est donc une proposition théâtrale inclassable : entre requiem joyeux et jeu de rôle malicieux

Nommé « musicien de l’année » aux BBC Alba Scots Trad Awards, l’écossais Calum Stewart propose un style unique, puissant et mélodique, fruit de son travail sur son uilleann pipes. Son originalité musicale est développée à travers ses multiples collaborations avec des musiciens et des projets d’Ecosse, d’Irlande et de Bretagne.
Son nouveau spectacle « Tales from the North » emmène le spectateur à travers des histoires et légendes des territoires d’Ecosse d’où est originaire Calum. Compositions et morceaux traditionnels se mélangent pour illustrer le propos et l’univers musical de ce musicien de talent ! Le tout arrangé et porté par des accompagnateurs de renom, accompagnés sur scène par la danseuse Mathilde Rio (step-dance).

A la croisée du cirque chorégraphique, de la musique électro-accoustique et du théâtre muet, 3D est une pièce de cirque qui tente l’utilisation exhaustive d’un objet.

Au centre du plateau, une courbe de bois contrainte par une ligne métallique: c'est un arc de taille humaine, une extension du corps, une prothèse pour le jeu du mouvement. Cela se décline en 3 dispositions, dans un espace à 3 directions.
Le corps s’y mêle, s’y enveloppe ou le traverse, autant que le son s’y frotte, résonne et vibre.
Les situations se construisent par mouvements sonores.
Ici ne sont graves que les sons.
Le jeu acrobatique avec cette singulière structure de cirque explore les volumes pour mettre en perspective un rapport ludique à la matière, à l’espace, à l’autre.

En forme d’hommage au cinéma et à la modernité, cette création regarde dans le rétroviseur pour rappeler les origines du mouvement Hip-hop dans les années 40 à New-York.
« Silence, on tourne ! » est aussi un clin d’oeil donné par la compagnie à leur ville d’appartenance, Lyon ; ville dans laquelle, au 19e siècle, es frères Lumière inventèrent le cinéma. Une performance à la hauteur de la réputation de la compagnie Pockemon Crew qui recherche sans cesse de nouvelles dimensions.

Un vent d’insurrection salutaire va souffler par ici ! Spectacle rocambolesque
A l’orphelinat des Vermiraux, il n’y a pas de musique, pas de livre, jamais de jeux. Trois orphelins volent le livre Le Capitaine Fracasse et, inspirés par le héros, se rebellent contre leur condition. Les jeunes Azolan, Basque et Fracasse nous entrainent alors dans leur révolte et nous font revivre toutes les frustrations et les cicatrices
de notre enfance.
Librement inspiré à la fois du Capitaine Fracasse de Théophile Gautier et de la révolte des enfants des Vermiraux, l’histoire vraie du soulèvement d’orphelins contre leur institution, ce « Fracasse » raconte la rébellion des enfants contre l’autorité et la confiscation des rêves.
Projeté au coeur de l’espace scénique et du jeu théâtral, le public est directement plongé dans cette aventure. Une approche originale pour vivre une expérience humainement forte.

Nouveau spectacle !!!
« J’ai toujours rêvé de proposer quelque chose de plus singulier qu’un concert de rock ou de chansons comme je le fais depuis plus de vingt ans, éternelle géographie du chanteur et son groupe derrière !
L’idée de David Lescot est inspirante, à la fois simple et inédite.
Il faut imaginer une femme qui habiterait dans une sorte de friche industrielle, dans une période d’abandon, un
crash amoureux ou tout indiffère, ou seules les chansons d’amour peuvent l’atteindre.
Et ces chansons, les miennes, puisqu’il faut bien admettre que je n’ai su parler que de ça, l’atteignent tant, que le groupe et le chanteur se matérialisent dans son appartement, apparaissant, disparaissant mystérieusement dans son salon, sa chambre, sa salle de bain, pouvant interagir avec elle à la manière de ces personnages perdus hors de l’écran de la rose pourpre du Caire ou de Pirandello, un espace ou les personnages pourront se parler, se voir, se répondre, sans que l’on sache trop au final qui est réel et qui n’existe pas.
Le dispositif est très fantaisiste, il offre une grande liberté de ton, la possibilité de questionner notre rapport intime à la culture populaire, au romantisme des chansons qui traversent nos vies mais aussi d’être parfois ironique sur la place du chanteur.
Ce dispositif ouvre aussi et surtout la possibilité d’un véritable concert qui sera le coeur de ce spectacle. »
Raphaël

Levons le tulle et découvrons le métier des danseurs

Tous les danseurs n'ont pas le titre d’Étoile et pourtant, tous se confrontent quotidiennement à cet art assoiffé d'exigence. Chaque danseur se sacrifie à travers lui; et pourtant le spectateur n'en retient que le brio de l'instant présent.
Afin d’accompagner le public dans les coulisses de cet univers, le spectacle est composé de tableaux abordant plusieurs aspects du métier et permettant aux spectateurs d’en apprivoiser les codes avec humour.

« Des Corps de Ballet » fait découvrir la danse classique en mélangeant la virtuosité, la poésie, le théâtre, l'humour et le jeu. Le Ballet peut encore vous surprendre !

Irrésistible diva kitsch à la Pedro Almodovar, Maria Dolores n’a pas le goût des demi-mesures.
« La biche madrilène » accompagnée de ses complices de l’Amapola Quartet, nous convient à une histoire du tango revue et corrigée à leur façon - c’est à dire décalée, drôlissime mais aussi profondément humaine -
Ensemble, ils conversent dans cette langue si sensuelle qui n’appartient qu’au tango; d’où s’échappent soupirs et soubresauts, où fusionnent passion et peine. D’airs susurrés, en milongas des exilés, on parcourt les trottoirs de Buenos Aires, entre la poésie lumineuse et les colères ardentes d’une femme qui fume en rêvant, d’un orchestre qui rêve en jouant...

Ce qu'en pense la presse :
« Maria Dolores : un mythe. A la fois diva sensuelle et clown, la biche madrilène est généreuse à chaque instant. Et le public de lui rend bien. » Ouest France

Une biographie romancée consacrée à l’extraordinaire destin de l’athlète EMIL ZATOPEK(1922–2000)
Comment raconter sur scène en un récit très rythmé un marathon avec un trio électro-jazz et nous faire sentir les explosions de l’applaudimètre, tel est le challenge que se donnent ici Thierry Romanens et Format A’3 sous le regard de Robert Sandoz.
Il s’agit de faire entendre l’aventure d’Émile Zatopek (1922-2000) qui fut un athlète incomparable et qui pourtant connut la torture des mines d’uranium et devint éboueur, ayant eu le courage de ne pas soutenir Dubcek lors du Printemps de Prague, en 1968… Son histoire, adaptée ici sur scène en un conte musical moderne, est celle d’un autodidacte qui devint l’homme qui courait le plus vite sur terre pendant une dizaine d’années, inégalé et inégalable, remportant trois médailles d’or en 1952 à Helsinki pour les Jeux olympiques. Un spectacle qui nous fait traverser une histoire édifiante !